jueves, diciembre 30, 2010

SLUMDOG MILLIONAIRE

Slumdog Millionaire es un film sobre la paradoja. Jamail (Dev Patel), un joven hindú de la calle, participa en un popular concurso de televisión ¿Quiere usted ser millonario? y consigue ganar una importante suma de dinero ante el pasmo de todos.
¿Cómo es posible que un analfabeto, que apenas sabe leer, un iletrado, consiga triunfar donde han fracasado eminentes hombres de letras? Tal vez porque el muchacho ha aprendido en la mejor escuela, la escuela de la vida, la calle.
Pero Jamal no va al programa para conseguir dinero ni ganar notoriedad, sino para que le vea la chica que ama, Latika (Freida Pinto), en manos de unos fascinerosos.
Tal vez ese éxito en el programa contacte con el sueño americano, esa obsesión gringa por el triunfo por encima de todo, por eso la película ganó importantes premios en el país del dólar, aunque en contradicción con la industria de Hollywood, Jamal triunfa con la inteligencia y no con la fuerza, todo lo contrario de los descerebrados héroes de la Ciudad de los Sueños.

También tenemos un numerito agradable al estilo Bollywood. Bueno, a nadie le amarga un dulce. Lo positivo para mí es que por una vez los héroes son gente anónima, unos niños que viven en la calle olvidados por Papa Estado más preocupados en perder su tiempo en enriquecerse que en servir los intereses de sus ciudadanos. Unos niños que ni siquiera saben quien fue Mohandas Karamchand Gandhi, el padre de la actual India descolonizada. Pero ya se sabe, si habéis visto Quiero ser como Beckham, los hindúes organizaron una guerra para expulsar a los ingleses para después emigrar a la Gran Bretaña. De la misma forma, los musulmanes de La batalla de Argel, organizan actos terroristas para expulsar a los franceses y después emigran a Francia para ganarse la vida. Y es que al hambre provoca que todos tengamos que tragar muchos sapos y caigamos en la contradicción.
Esos niños de la calle, esos infelices que viven peor que los animales, en unas condiciones infrahumanas, triunfan en el país más rico del planeta contando sus miserias.

Dev Patel y Freida Pinto

El triunfo de Jamal conmueve a toda la India, enganchada ante sus aparatos de televisión y se convierte en un fenómeno de masas y consigue lo que en realidad ama, a su chica. Como historia de amor es una de las más bellas de los últimos años. Un amor que se inicia en esa infancia dramática, viviendo en la calle con harapos y compartiendo el hambre, el frío y la indigencia. Tal vez la película nos dice que la única forma de salir de la pobreza es la inteligencia, un mensaje verdaderamente positivo.
Jamail responde de forma acertada por su experiencia en la vida. Sabe que en los billetes de 100 dólares la imagen que aparece es la de Benjamin Franklin, inventor del pararrayos, héroe nacional y presidente de unos USA más nobles que los presentes.

Los niños saben quien fue Franklin porque son obligados a ejercer la mendicidad aunque en condiciones terribles, cegados por individuos carentes de escrúpulos ya que los invidentes provocan más lástima y la gente les da más dinero. Como muchos turistas les pagan con dólares estadounidenses saben que la figura que aparece en la cara del billete es el honorable Franklin.
El concurso no tiene ni trampa ni cartón. En cierto modo parece el cuento de la Cenicienta cambiando el sexo del protagonista aderezado del viejo cine neorrealista italiano que nos enseñaba la miseria de la sociedad que le tocó vivir, dando testimonio de las contradicciones sociales que vivieron.


Danny Boyle

De todas formas, la película es importante y merece más de una visión. Es una de estas películas a las que el tiempo convierte en clásicas y que uno degusta con gran placer una y otra vez. Es una buena película porque a través de ella conocemos una realidad terrible, una cultura ignorada y porque es estimulante, una llamada a superar las dificultades y a vencerlas para salir de la marginalidad sin recurrir a medios violentos que empeoran aún más la situación.
Es una visión europea de la India, pero al menos una visión honesta. Porque no se ha buscado la comercialidad fácil recurriendo al halago del público menos ilustrado, sino con una trama más inteligente e ingeniosa. Los niños de la calle te atrapan enseguida y te demuestra que hasta la persona más humilde, del lugar más pobre de la tierra, puede convertirse en estrella.


Slumdog Millionaire

TÍTULO ORIGINAL Slumdog Millionaire
AÑO 2008
DURACIÓN 123 min.
PAÍS Reino Unido
DIRECTOR Danny Boyle, Loveleen Tandan
GUIÓN Simon Beaufoy (Novela: Vikas Swarup)
MÚSICA A.R. Rahman
FOTOGRAFÍA Anthony Dod Mantle
REPARTO Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Mia Drake PRODUCTORA Coproducción Reino Unido-EEUU; Fox Searchlight / Warner Independent / Celador Films / Film4
PREMIOS 2008:
8 Oscars: incluyendo mejor película, director y guión adaptado. 10 nominaciones 2008:
4 Globos de Oro: Mejor película dramática, director, guión, banda sonora 2008: 7
Premios BAFTA, incluyendo mejor película. 11 nominaciones 2008: 3 premios
National Board of Review, incluyendo mejor película del año, guión adaptado 2008:
Festival de Toronto: Mejor película 2008:
Goya: Mejor película europea
GÉNERO Drama. Romance | Pobreza

miércoles, diciembre 29, 2010

LOS SUEÑOS DE AKIRA KUROSAWA (1990)


El placer de ver buen cine es inmenso. Akira Kurosawa fue todo un maestro en el arte de contar historias y así, ya en edad avanzada, nos sorprendió con esta obra maestra producida por el propio Steven Spielberg.
Los sueños de Akira Kurosawa no es una película usual, a muchos les sorprenderá por su narración de esos sueños que a veces tenemos y rara vez recordamos, donde vivimos unas historias insólitas que carecen de lógica. Así nos encontramos con unos fragmentos completamente distintos que van de lo trágico a lo poético.

Akira Kurosawa

Historietas repletas de simbolismos, oníricas que a veces son bella sy otras patéticas. Ese horror de la central nuclear que explota provocando muerte y desolación a su paso, ese túnel en donde aparecen los fantasmas de soldados fallecidos en la segunda guerra mundial y que no son conscientes de que ya no están en el mundo de los vivos, esos zorros imaginarios que pasean por los bosques, ese cortejo fúnebre tan peculiar del final en donde en vez de tristeza se despide con alegría a una persona amada por la comunidad agradeciéndole todo lo que ha aportado a sus semejantes.
Una visión del mundo entrañable realizado con pulcritud y elegancia. Con ese ritmo tan oriental, sin efectismos baratos donde todo es sentimiento, sensibilidad y dignidad.

Por otra parte el mundo creativo de Kurosawa tiene magia, ese fragmento en que Martin Scorsese interpreta a Van Gogh con un estudiante japonés paseándose por sus cuadros es verdaderamente impresionante con su utilización del color. Cada plano de esta película es una auténtica obra de arte, con una perspectiva perfecta, unos encuadres muy cuidados, un gusto reinado y con unos personajes entrañables como ese centenario que acude al funeral de su primer amor cuando fueron niños.

Film onírico que da la sensación de que lo hemos soñado por el agradable recuerdo que nos deja. Una obra que sólo puede ser creada por un indiscutible maestro del cine como fue el gran Akira Kurosawa, recuperar sus películas es todo un placer para los sentidos y para el intelecto.

La luz del sol a través de la lluvia

El Huerto de Durazno

La Tormenta de Nieve

El Túnel

Cuervos

El Monte Fuji en Rojo

El Ogro Llorón

El Pueblo de los Molinos de Agua

11'09''01 - 11 DE SEPTIEMBRE (2002)

Gracias a esos DVDs que en los fines de semana venden a bajo precio los periódicos he podido adquirir una copia de esta importante película. Importante e interesante porque nos ha permitido, entre otras cosas, tomar conocimiento de esas cinematografías calificadas como "exóticas" que están siendo ignoradas en nuestras pantallas por la distribución. Mientras las salas están invadidas por producciones de Hollywood rutinarias y mercenarias, el DVD tiene un mercado caótico y presenta numerosas lagunas para satisfacer nuestra sed de cultura y de arte cinematográfico.
Así, con la excusa del fatídico 11 de septiembre (fecha maldita para la humanidad), conocemos once historias de diferentes culturas. Estos cortos son muy irregulares pero siempre atractivos. El episodio USA incluso es sorprendente, protagonizado por el gran Ernest Borgine, en edad muy avanzada, en uno de sus mejores trabajos. Un viudo solitario que añora a su esposa fallecida pero que no quiere admitir su perdida, habla sólo hasta que las torres gemelas se derrumban. Dos edificios vecinos que le tapan la luz, al derrumbarse su apartamento se ilumina inesperadamente y entonces toma conciencia de que está sólo. Parece que los cineastas de Hollywood, en este caso Sean Penn, cuando no tienen encima la presión de la industria saben rodar mejor.
Igual podríamos decir de Claude Lelouch en su segmento sobre una chica ciega que está enamorada de un guía que trabaja en las Torres Gemelas, un corto asimismo magistral y sensible. Ken Loach aprovecha para su mitin acerca de otro 11 de septiembre, el de Chile. Cuando los propios USA apoyaron un golpe de estado para derrocar al gobierno democráticamente elegido e imponer una dictadura cruel y sanguinaria. La hipocresía del gobierno de Washington es evidente en este fragmento y en otros, como el egipcio, obra de Youssef Chahine, en donde se recuerdan los crímenes del país del dólar en otros lares donde dejaron amargo recuerdo.
Importantes son los segmentos israelís de Amos Gitai con una periodista de televisión grabando un atentado en su país mientras recuerda "otros" 11 de septiembre tan sangrientos como el que nos ocupa. Así Irán, Burkina Faso, Bosnia Herzegovina, México, Japón se asoman al mundo que les niega su presencia en nuestras carteleras aunque sean en DVDs alternativos.
Tal vez sea hora de reflexionar sobre esta película y el nefasto imperio cuya influencia padecemos.

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TÍTULO ORIGINAL 11'09''01 - September 11
AÑO 2002
DURACIÓN 130 min.
PAÍS Francia
DIRECTORES Samira Makhmalbaf, Claude Lelouch, Youssef Chahine, Danis Tanovic, Idrisa Uedraogo, Ken Loach, Alejandro González Iñárritu, Amos Gitaï, Mira Nair, Sean Penn, Shohei Imamura.
REPARTO Documentary, Ernest Borgnine, Ken Ogata, Tetsuro Tamba, Tomorowo Taguchi, Mitsuko Baisho, Kumiko Aso, Taleb Adlah, Emmanuelle Laborit
PRODUCTORA Coproducción UK-Francia
GÉNERO Documental | 11-S
SINOPSIS 11 realizadores, 11 historias. 11 puntos de vista del atentado contra las Torres Gemelas y el Pentágono el 11 de septiembre del 2001, un suceso que cambió la historia del siglo XXI. Una visión según realizadores de Irán, Francia, Egipto, Bosnia-Herzegovina, Burkina Faso, Reino Unido, México, Israel, India, Estados Unidos y Japón:

BURLESQUE (2010)

Christina Aguilera y Cher

Christina Aguilera (Staten Island, Nueva York; 18 de diciembre de 1980) es una cantante, compositora, productora y actriz estadounidense de origen ecuatoriano e irlandés. Quería dar su salto a la gran pantalla y se ha producido su propio vehículo. Porque claro, esta película más que una obra cinematográfica importante (que no lo es) es eso, un vehículo para su lucimiento en busca de satisfacer su ego. La chica se pone a cantar y todos quedan alucinados por su talento, que sí, que lo tiene pero que no lo ha utilizado correctamente.

Christina Aguilera

Burlesque
tiene el defecto de las primeras películas de Barbra Streisand, Funny Girl y Hello Dolly, dos excelentes películas perjudicadas por su estrellato excesivo. El título que nos ocupa no está a la altura de los que he acabado de citar, pero sí es agradable y tiene números muy atractivos. Le falta un buen guión que sí tenían las de Barbra con una factura lujosa. Todo es demasiado tópico, demasiado visto para sorprender y para enganchar.
Es posible que Christina Aguilera se convierta en una estrella pese a su tardío debut, como le ocurrió a Julie Andrews, que debutó en el cine a esa edad pero con mejores títulos. Pero su futuro dependerá de las historias que escoja, musicales en los que se integre en el argumento y no al revés.

Cher

La película de Steve Antin, su primer largometraje, no es negativa. Resulta agradable, simpática y no aburre. Le falta pues originalidad y una historia con más calidad. claro está que la mayoría de los musicales (y de las zarzuelas no olvidemos) tienen su talón de Aquiles en el libreto o guión. Pero siempre tienen números que las hacen inolvidables. Burlesque está reservada a los fans de la cantante Christina Aguilera y también de Cher que está excelente como siempre. Stanley Tucci, un todoterreno, es un buen apoyo artístico, y los dos guaperas (Eric Dane y Cam Gigandet) son más bien dos figuras decorativas, dos chicos que en el argot de las chicas actuales son muy "monos". De todas formas también son agradables.
La imagen sexy de Christina, al igual que otras estrellas actuales, como Miley Cyrus, me parece algo equivocada, como si no hubiera encontrado su papel, pero su talento vocal es innegable. Espero que en el futuro encuentre mejores historias y musicales en los que se integre en vez de lo contrario. En este caso su escalada al estrellato sería imparable.

Las alegres chicas del Burlesque
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El beso lésbico de Madonna y Christina

Hace años, Christina Aguilera participó en un show con Britney Spears y Madonna, a las tres las vemos en la foto de debajo. Inesperadamente Madonna repartió sendos besos lésbicos a sus dos compañeras provocando un escándalo completamente absurdo.
Más abajo está una foto de Christina embarazada, otro escándalo propios de una prensa con escasas luces. Curiosamente la cantante me parece más atractiva de morena que de rubia oxigenada. La veo más salvaje y libre.

Britney Spears, Madonna, Christina Aguilera

Christina luciendo embarazo

viernes, diciembre 24, 2010

La obra cumbre de Sergei M. Eisenstein

IVÁN EL TERRIBLE

Nikolai Cherkasov

Iván IV Vasílievich (ruso: Иван IV Васильевич), llamado Iván el Terrible (Kolómenskoye, Rusia, 25 de agosto de 1530 - Moscú, 18 de marzo de 1584) zar de Rusia (1547-1584).


Este zar, el primero de la historia, es acreedor de amarga memoria por su crueldad y su posterior locura.
Sergei M. Eisenstein, con sus colaboradores Sergei Prokofiev y Eduard Tissé planearon una trilogía inconclusa sobre dicho personaje. Entre 1942 rodó en Alma-Atá (República Socialista Soviética de Kazajistán) la primera parte que se estrenó a finales de este año. Estaban en guerra y la producción cinematográfica se había evacuado a esta zona más alejada de la contienda bélica. Situada en Asia Central. El cine entonces tenía un gran valor propagandístico por lo que su producción en cierto modo se valoró como colaboración patriótica para elevar la moral de la población.
La segunda parte se rodó en Mosfilm, Moscú, en 1946 y se acabó dos años después. Fue prohibida por la censura soviética. La tercera parte, Las batallas de Iván, rodado completamente en color, no se concluyó por el fallecimiento inesperado de Eisenstein en 1948. El metraje fue confiscado y en parte destruido.

Ambas partes, en apariencia idénticas, en realidad son muy distintas. En la primera se pasan el tiempo con gestos muy exagerados y la segunda es muy fluida, sobresaliendo la secuencia del banquete con la burla al inocentón primo del zar. Una secuencia magistral con números musicales de gran calidad que incluso nos hace soñar con un Eisenstein distinto. La primera es romántica, la segunda es melancólica. Iván siente nostalgia por el amor perdido, se encuentra sólo, rodeado de enemigos crueles y se resiente por las intrigas que le dejaron viudo.
La lucha del poder central, implacable, en nuestros lares llamado "jacobino" (un poder central igualitario), contra unos nobles ambiciosos dispuestos a repartirse el botín del trono y sus privilegios de clase. La iglesia ortodoxa no está al margen de las intrigas.
En la primera parte se hace un paralelismo con un tirano, Nabucodonosor II, rey de Babilonia que conquistó Judá y convirtió a los judíos en esclavos, razón por la cual también pasó a la historia convertido en un cruel déspota.
Mikhail Kuznetsov, Pavel Kadochnikov y Nikolai Cherkasov
Eisenstein realiza un paralelismo en una iglesia ortodoxa mediante una representación religiosa de unos mártires judíos (Ananías, Misael, y Azarías) a los que quiso quemar por no venerarle como Dios pero un ángel bajado del Cielo les salvó de morir quemados.
Por otra parte, el prime Iván es también una historia de amor con escenas épicas y excelentes encuadres que sólo Eisenstein sabía crear. En la segunda se centra en la soledad del autócrata, del poder que viene del Creador. Iván, llamado a partir de entonces "el Terrible", coincidió en el tiempo con otros autócratas como Felipe II de España e Isabel I de Inglaterra. Ésta fue su aliada y la que impidió que le quitaran el poder a cambio de suculentos beneficios comerciales.
Debido a su reflexión sobre la soledad del poder y su envilecimiento, se creyó ver en este Iván más humano de la segunda parte, La conjura de los boyardos, un retrato del propio Stalin que se sintió injuriado po lo que su proyección fue prohibida y no se estrenó hasta 1958 tras la muerte del dictador y de la denuncia a su culto a la personalidad, su megalomanía y su crueldad que llevó al comunismo a un callejón sin salida.



En la segunda parte, La conjura de los boyardos, aparece una larga secuencia en color utilizando película confiscada a los alemanes tras la caída del Tercer Reich en 1945. En una alegre fiesta de cosacos y danzas rusas, se organiza una burla a costa del primo retrasado del zar a quien los enemigos de Iván quieren colocar en el poder.
Lyudmila Tselikovskaya y Nikolai Cherkasov

La zarina. La serena belleza de la mujer rusa, mujer dulce y gran amor del zar Iván. su pérdida agrió su carácter.
Mikhail Zharov y Nikolai Cherkasov

Personajes principales
Ivan Vasilevich (Nikolai Cherkasov)- Personaje central, un jefe de estado enérgico y duro.
Efrosinia Staritska (Serafima Birman)- La tía del zar, mujer enigmática y cruel que desea derrocar al zar y darle el poder a su hijo retrasado mental para poderle utilizar como una marioneta.
Vladimir Staritsky (Pavel Kadochnikov)- Primo del zar, retrasado mental al que quieren colocar en el poder.
Malyuta Skuratov (Mikhail Zharov)- Ayudante de Iván y acólito fiel.
Alexei Basmanov (Amvrosi Buchma) - Militar viejo, oportunista, que se convierte en colaborador del zar.
Fyodor Basmanov (Mikhail Kuznetsov) - Hijo de Alexei, otro fiel colaborador del zar Ivan.
Tsarina Anastasia (Lyudmila Tselikovskaya) - La zarina, primera esposa de Ivan que perece asesinada.
Iván el terrible parte I

TÍTULO ORIGINAL Ivan Groznyy I Part I
AÑO 1944
DURACIÓN 100 min.
PAÍS Unión Soviética (URSS)]
DIRECTOR Sergei M. Eisenstein
GUIÓN Sergei M. Eisenstein
MÚSICA Sergei Prokofiev
FOTOGRAFÍA Eduard Tissé & Andrei Moskvin (B&W)
REPARTO Nikolai Cherkasov, Serafima Birman, Ludmila Tselikovskaya, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov
PRODUCTORA Mosfilm Studios
GÉNERO Drama | Siglo XVI

Iván el terrible parte II (La conjura de los boyardos)

TÍTULO ORIGINAL Ivan Groznyy II: Boyarsky zagovor Part II
AÑO 1958
DURACIÓN 88 min.
PAÍS Unión Soviética (URSS)]
DIRECTOR Sergei M. Eisenstein
GUIÓN Sergei M. Eisenstein
MÚSICA Sergei Prokofiev
FOTOGRAFÍA Eduard Tissé & Andrei Moskvin (B&W)
REPARTO Nikolai Cherkasov, Serafima Birman, Ludmila Tselikovskaya, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov
PRODUCTORA Mosfilm Studios
GÉNERODrama | Secuela. Siglo XVI

miércoles, diciembre 22, 2010

Obra maestra de Eisenstein

ALEXANDER NEVSKY (1938)

Aunque la mayoría de los historiadores consideran las películas mudas de Sergei M. Eisentein lo mejor del cine (El acorazado Potemkin es considerada la mejor película de la historia del cine, aunque creo que esta afirmación es muy discutible) personalmente me inclino por su trilogía sonora dedicada a grandes personajes de la historia rusa como el zar Ivan el Terrible y Alexander Nevsky (san Alejandro Nevsky para nosotros).
Alexander Nevsky (1938) codirigida con Dmitri Ivanovich Vasilyev fue una película oportuna bajo el lema: "Quién visite la amada tierra rusa como invitado o como amigo, será bienvenido. Pero quien venga con la espada por la espada será abatido". Advertencia dirigida a la Alemania Nazi que por aquellos años amenazaba invadir a la antigua Unión Soviética olvidándose de las experiencias tan desafortunadas de Napoleón Bonaparte, véase Guerra y Paz en cualquiera de sus versiones cinematográficas, y la encerrona del general Mikhail Kutuzovque le llevó al desastre. La historia se iba a repetir años después del rodaje de esta película pero con un alto número de vidas.
Mucha tinta ha vertido estos acontecimientos históricos y la figura de Josef Stalin, principal impulsor de estos proyectos, un jefe de estado que en su día fue mitificado, luego considerado un auténtico monstruo, pero que consiguió convertir a la Unión Soviética en la segunda potencia mundial y neutralizar a los mismísimos Estados Unidos de Norteamérica.
La película, protagonizada por el gran Nikolai Cherkasov (de quien podemos ver su excelente versión de Don Quijote de la Mancha en DVD), un coloso de 1'98 metros de estatura y actor predilecto del dictador ruso. Sobresale su potente timbre de voz que es impresionante. En su filmografía una versión de Los hijos del capitán Grant (1938) que en la versión Disney de 1962 interpretó Maurice Chevalier. En el mismo año fue Billy Bonns en una versión soviética de La isla del tesoro que no hay forma de visionar.
Comunista del ala dura cuando falleció en 1966 se le enterró en el cementerio del monasterio Alexander Nevsky en San Petersburgo creado en memoria de su popular interpretación que obtuvo tal éxito que, desde entonces, este santo aparece con la imagen del actor soviético. Aquí no juzgamos su trayectoria política por no considerarlo de mi competencia, pero sí su carrera interpretativa que es de gran calidad vistas las películas que han llegado hasta nosotros.
Junto a la música del genial Sergei Prokofiev y la fotografía de Eduard Tissé, uno de los mejores en la Historia del Cine, la película su fuerza épica y detalles inusuales en la filmografía de Eisenstein. Del protagonismo colectivo de unas masas pasamos a ver las batallas a través de un héroe nacional.
Para mi la mejor secuencia es cuando ha terminado la batalla y los heridos gritan nombres de mujer, su esposa, su madre, su hija o su hermana. Un momento de inusual belleza en que vemos a los héroes caídos en un gran gesto de humanidad que los convierte en seres más próximos, más cercanos.
Nevsky además es justo. Al acabar la batalla perdona a los soldados rasos por considerar que no tienen culpa de nada ya que fueron obligados al campo de batalla. Resaltemos la tétrica presencia de los monjes teutones presentados como siniestros cuervos de mirada cejijunta. También se ven amoríos, inéditos en la filmografía del gran cineasta ruso.
Pero la batalla sobre el lago helado, en pleno y crudo invierno, pasará a los anales de la cinematografía por su perfección. Esos planos de los caballeros teutones hundiéndose sobre el hielo arrastrando la capa por la superficie rota son los más logrados en cine histórico y bélico.
De la épica revolucionaria hemos pasado a la épica nacional, la Madre Patria, la Madre Rusia con su tono melancólico y triste propio de la cultura de este país y que es evidenciado en su literatura.
A pesar del tiempo transcurrido Alexander Nevsky conserva sus valores, aunque ya haya desaparecido el Estado que le hizo posible. Como diría Charlie Chaplin en El gran dictador, los dictadores pasarán. El tiempo dejó a cada cual en su sitio. Su enorme poder ha quedado en nada y el marxismo no consiguió sus objetivos de transformar el mundo porque el capitalismo le venció, un capitalismo feroz y salvaje que provoca crisis económicas y hambre y miseria.
El sueño se desvaneció en la nada tal vez porque no se supieron asumir sus múltiples contradicciones.
El arte de Eisenstein, Tissé y Prokofiev ha sobrevivido al paso de los tiempos. Un cine mucho más personal que el que vemos habitualmente y que a los cinéfilos nos sigue interesando.


TÍTULO ORIGINAL Alexander Nevsky (en ruso: Александр Невский). AÑO 1938. DURACIÓN 112 min. Nacionalidad: Unión Soviética (URSS). DIRECTOR Sergei M. Eisenstein (firmada con Dmitri Ivanovich Vasilyev). GUIÓN Sergei M. Eisenstein & Piotr A. Pavlenko MÚSICA Sergei Prokofiev FOTOGRAFÍA Eduard Tissé (B&W) REPARTO Nikolai Cherkasov, Nikolai Okhlopkov, Alexandr Abrikosov, Dmitri Orlov, Anna Danilova, Vera Ivacheva PRODUCTORA Artkino

Alejandro Nevski (ruso: Александр Ярославич Невский, Aleksandr Yaroslávich Nevski; Pereslavl-Zaleski, c. 1220 - Gorodets, 14 de noviembre de 1263), príncipe de Nóvgorod (1236), de Kiev (1246) y de Vladímir-Súzdal (1252-1263), fue un líder ruso y santo de la Iglesia ortodoxa rusa, hijo del Gran Duque Yaroslav, quien gobernaba en Nóvgorod, y una devota mujer llamada Teodosia. Luchó contra los suecos, teutones y tártaros que amenazaban Nóvgorod.

Catedral dedicada a San Alexander Nevsky en Sofia (Bulgaria)
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Prokófiev trabajando con Eisenstein en  Alexander Nevsky

Sergei Prokofiev es autor de las siguientes piezas musicales: Pedro y el lobo para narrador y orquesta (1934), Romeo y Julieta (ballet, 1936), la ópera Guerra y paz (1946), la Sinfonía n.º 5 (1945), la suite El teniente Kizhé (1933) y Alejandro Nevski (cantata, 1938, para la película del director soviético Sergéi Eisenstein, también destaca su trabajo musical para la película Iván el Terrible, del mismo director).
En el año 1948, Andréi Aleksándrovich Zhdánov, presidente del Soviet supremo de la URSS y creador de una férrea censura estética, artística e ideológica, persiguió a Prokofiev por su música demasiado "cacofónica" para su gusto. Su esposa Lina fue acusada de espionaja y llevada a un campamento de trabajos forzados.
Segei M. Eisentein fue otra víctima de la censura de este personaje que viene a demostrar que en la Unión Soviética también había paletos en el poder.

viernes, diciembre 17, 2010

La Revolución de Octubre Soviética

OCTUBRE (1927)

Sergei Eisenstein


Cada año por termino medio suelo ver unas 500 películas porque el cine siempre ha sido mi pasión. Y suelo ver títulos de todos los géneros, tendencias políticas, épocas y nacionalidades. Eso lo explico porque siempre se me ha identificado con un sólo género y es curioso porque nunca suelo ver películas de este tipo.
Ayer revisé Octubre de Eisenstein, una película de esas llamadas míticas y que tal vez se ha visto sobrevalorada por cuestiones ideológicas. Es sabido que en ciertos profesionales de la prensa y en algunos historiadores la influencia del marxismo ha sido notoria hasta convertirse en moda porque todos afirmaban en los últimos años del franquismo que pertenecían a este pensamiento político que a mí jamás me cautivó.
En cierto modo como historiador lo comprendo, nada transcurre porque sí. Ni la Revolución de Octubre en Rusia, ni el llamado Alzamiento Nacional ni la subida de Adolf Hitler al poder. Todo esos acontecimientos son causados por crisis económicas y políticas muy evidentes. Es decir tiempos muy complejos como el actual. La presente crisis económica es muy dura y su prolongación pueden motivar la irrupción de fenómenos como los descritos en Octubre de Eisenstein.

Octubre es un canto, un himno vigoroso a la revolución de octubre 1917 en Rusia. Al cabo de diez años se quiso rodar una apología de la misma encargando el trabajo a uno de los cineastas más prestigiosos de todos los tiempos.
Como documento histórico debemos resaltar que la censura soviética, entonces en manos de Stalin y de Zhdánov, cortó parte del metraje porque aparecía Leon Trotsky.
Andréi Zhdánov (en ruso : Андрей Алекса́ндрович Жданов), nació el ¿14/28 de febrero? 1896 en Marioupol (Ukrania) y murió el 31 de agosto de 1948 en Moscú. Zhdánov fue el censor de libros, películas y todas las obras de arte y expresión de la Rusia Soviética y quien impuso una forma de expresión llamada "realismo socialista".
Al susodicho no le gustaba demasiado Eisenstein poque sus películas, bien siendo geniales, no eran accesibles a la inteligencia de un público masivo de procedencia campesina u obrera que hasta entonces no tenía acceso a la educación ni a la información. Por eso ese genial director, auténtico genio del montaje y la planificación, se vio postergado en detrimento de cineastas mucho más convencionales mientras que el mentor Stalin liquidó la vieja guardia enviándola al paredón.
La Revolución de Octubre fue letal para quienes la impulsaron viéndose asesinados de forma brutal e indigna. Ese fue el principio del fin del comunismo soviético que si bien duró muchos años en el poder ya no fue el mismo consumiéndose y degradándose hasta convertirse en una dictadura cruel e inhumana.

Nada de esto hay en Octubre, evidentemente, porque ya se sabe quien paga manda y como el productor es el Estado Soviético con sus manipuladores, Zhdánova la cabeza, controlando cada plano de la película, ésta se quedó como una apología de un golpe de Estado que en Occidente fue mitificado sorprendentemente. Mientras se vomitaba contra el Golpe de Estado del General Franco se alaba el descrito en esta película que, por otra parte tiene evidentes méritos y valores cinematográficos.
Octubre ha sido mitificada por cuestiones políticas y no cinematográficas. Se cierran los ojos ante la manipulación histórica y ante el pésimo trato que se da al Gobierno Provisional y al dirigente Aleksandr Fiódorovich Kérenski (en ruso: Алекса́ндр Фёдорович Ке́ренский) (Simbirsk, 22 de abril de 1881 - 2 de mayo (según el Calendario Gregoriano) - Nueva York, 11 de junio de 1970), político social-revolucionario, abogado de profesión, fue un líder revolucionario ruso que desempeñó un papel primordial en el derrocamiento del régimen zarista en Rusia. Fue el segundo primer ministro del gobierno provisional instaurado tras la Revolución de Febrero. Fue capaz de hacer fracasar el golpe de Kornilov, pero no pudo evitar la Revolución de Octubre en la que los bolcheviques tomaron el poder.
Es decir que al mencionado político que podríamos considerar más izquierdista que Felipe González por dar un ejemplo, se le trata en la película como un enemigo de la revolución, un dictador y casi un paranoico.
Aparecen en pantalla unas mujeres burguesas reclutando a las féminas más feas de San Petersburgo para vestirlas elegantemente y presentarlas como seres increíblemente desagradables. Igual podríamos decir del batallón femenino (por cierto no sabíamos que en 1917 la mujer ya se hubiera incorporado al ejército regular) es asimismo presentado como unas hembras sin atractivos físicos y rostros ingratos.

En febrero de 1917 tuvo lugar una revolución democrática que derribó a los zares, desde entonces Kerensky presidió el cambio, un gobierno de concentración con diferentes partidos a los que Lenin y los suyos no dieron tregua intentando expulsarle del poder y lo consiguieron en octubre de aquel mismo año. Rusia pasó a convertirse en la Unión Soviética asesinando un año después a la familia real.
Sin embargo en Octubre no es presentado como un villano infame que se cree Napoleón Bonaparte y que desea convertirse en el nuevo zar de Rusia.
Por eso considero la mitificación de esta película como un acto de hipocresía y de ignorancia abrumador. Se ensalza lo que se condena en otras circunstancias históricas.
Dicho todo esto queda por analizar la película en sí que me parece impecable y una auténtica obra de arte. Un canto a lo que se llamaba en aquel tiempo "funciones históricas", en la jerga marxista esto quiere decir "hacer la revolución". Había otras circunstancias a tener en cuento, el hambre, la guerra mundial que había implicado a Rusia, y la incertidumbre causada por los políticos ineficaces del zarismo pero tras el golpe de Estado las cosas no mejoraron sino que empeoraron mucho más .
Kerensky queda para la historia como la figura de aquel que inicia una revolución que le acaba devorando como pasó con Francisco Madero en México y la propio Segunda República española.

La película en sí es excelente, de visión imprescindible. Eisenstein era un genio del montaje y sobre todo de la planificación. Recordemos todas las escenas de masas insuperables. Las manifestaciones, el asalto al Palacio de Invierno. Nunca hemos visto en el cine una realización más sólida de los planos de grandes masas que aquí se han convertido en protagonistas de la película. Eisenstein centra la narración en el pueblo, en los campesinos, trabajadores y marineros. El montaje es genial, nunca se ha visto nada igual. Por otra parte se pierde en secuencias con simbolismos algo extraños que desconcertó y que provocó que el público al cual iba dirigida no entendiera absolutamente nada. De ahí que Zhdánov acabara por marginarle en detrimento de cineastas de realización más diáfana.
Me gusto mucho esos planos contrapicados en ls Eisenstein era maestro, con una iluminación muy artificial. Esos simbolismos, ese caballo blanco muerte en medio de un puente levadizo que al abrirse le deja colgando hasta caer al río. El niño que sentado en el trono del zar Nicolás II vitorea la revolución. Los soldados que esperan el asalto en el Palacio de Invierno, las mujeres preocupadas por su destino curioseando en las dependencias de la zarina Alejandra. Ese juego de miradas, la fascinación por las obras de arte sitas en el palacio y numerosos detalles aislados como el saqueo abortado por la guardia roja, la deserción masiva de cosacos y mujeres. Todo un fresco que nos acerca a una época en cierto modo apasionante pero que no olvidemos es fruto de una manipulación histórica en aras de objetivos políticos, algo que es muy habitual por desgracia en otros lares como el nuestro.
Decían que sólo la Verdad es Revolucionaria, de ser eso cierto, esa gente que tanto presume de serlo no lo es en absoluto. No se puede mentir en beneficio de ninguna causa porque las mentiras siempre caen por su propio peso.


Grigory Aleksandrov, Sergei Eisenstein, Walt Disney y Eduard Tisse

Título Original: Октябрь (Десять дней, которые потрясли мир)
País: Unión Soviética
Año: 1928
Género: Drama, Histórico
Guión: Grigori Aleksandrov, Sergei Eisenstein, basado en el libro de John Silas Reed, Diez días que sacudieron al mundo.
Director: Sergei Eisenstein y Grigori Aleksandrov
Fotografía: Vladimir Nilsen, Vladimir Popov, Eduard Tisse
Música: Dmitri Shostokovich
Montaje: Sergei Eisenstein
Dirección Artística: Vasili Kovrigin
Duración:104 minutos.
Intérpretes: Vladimir Popov (Aleksandr Kerensky), Vasili Nikandrov (V.I. Lenin), Layaschenko (Konovalov), Chibisov (Skobolev), Boris Livanov (Terestsenko), Mikholyev (Kishkin), N. Podvoisky (Bolchevique), Smelsky (Verderevsky), Eduard Tisse (Soldado alemán).

jueves, diciembre 16, 2010

MUCHAS GRACIAS, BLAKE

Julie Andrews y Blake Edwards

William Blake Edwards (n. 26 de julio de 1922, localidad de Tulsa - 16 de diciembre de 2010, Brentwood California) director de comedias, se nos ha ido para siempre. Afortunadamente nos ha dejado un importantísimo legado, una serie de películas que por lo general son de gran calidad.
La comedia de Edwards se destaca por su sofistificación, su elegancia. Virtudes que hace años sólo podemos disfrutar con películas de otros tiempos, nunca actuales.
Recordemos la serie sobre el Inspector Jacques Ives Clouseau que, tal vez, Edwards estiró demasiado pero la segunda entrega es única, El nuevo caso del inspector Clouseau con Peter Sellers y Elke Sommer.
Empezó para la televisión, tres episodios de la serie Four Star Playhouse (1954)y de ahí al cine, Venga tu sonrisa (1955) con el cantante Frankie Lane, desgraciadamente una película que ví en su tiempo y ya olvidé. El temible Mr. Cory (1957) con Tony Curtis ya era mejor sin duda, y su carrera fue siempre ascendiendo: La pícara edad (1958) con Debbie Reynolds, Vacaciones sin novia (1958) con la pareja Tony Curtis y Janet Leigh.

Tony Curtis fue uno de sus actores fetiche, subvalorado en su época, pero revalorizado en la actualidad. En Operación Pacífico (1959) se le opuso a Cary Grant, una comedia fresca y divertida sobre las peripecias de un submarino que acaba pintado de rosa. Esta es la primera película de Edwards que puedo recordar, cuestión de edad. Fue un éxito importante, una comedia cuyos gagas provocaban una fuerte dosis de hilaridad enel público y que en la actualidad conserva toda su frescura.
Desayuno con diamantes (1961) con Audrey Herpburn, otro gran éxito pero ya en otro registro. No se trata de una comedia cómica, sí un buen drama dramático que sedujo a varias generaciones. Dias de vino y rosas (1962) es ya un drama sobre el alcoholismo protagonizado por el gran Jack Lemmon y Lee Remick.
Su mayor éxito estaba al caer, La pantera rosa (1963), todo un hito. Una comedia mítica que lanzó a la popularidad a Peter Sellers, en principio actor secundario pero que acabó por comerse la película en detrimento del flemático David Niven. El nuevo caso del inspector Clouseau (1964) fue una gloriosa continuación que superó a la cinta original, entre otras virtudes está la aparición del Inspector Dreyfus, su superior mucho más loco que su subordinado con las facciones de otro mito del cine, Herbert Lom, actor todoterreno que demostraba aquí su talento para la comicidad.



La carrera del siglo (1965) con Jack Lemmon, Natalie Wood y Tony Curtis fue un monumento a la gran comedia, sincero homenaje a la pareja Laurel y Hardy, reminiscencias de El prisionero de Zenda en la segunda parte del argumento, y una serie de gags inolvidables.
Todos estos títulos se convirtieron en grandes clásicos de la comedia, una clase de películas que un cinéfilo ve una y otra vez hasta aprendérselas de memoria. ¿Qué hiciste en la guerra, papi? (1966) y El guateque (1968) son dos grandes ejemplos. En la segunda coincide de nuevo con Peter Sellers con quien mantenía una relación de amor-odio muy particular. Excelente comediante pero personalidad agobiante en los rodajes por su alto nivel de exigencia.

En aquel tiempo conoció a la famosa actriz británica Julie Andrews que se convirtió en su esposa, pero sus películas en conjunto pincharon en taquilla, Darling Lily (1970) y La semilla de tamarindo (1974), dos obras menores que no tuvieron la aceptación aceptada. Su esposa que en sus principios parecía una segura mina de oro comenzaba a desinflarse en taquilla .
Por eso, acosado por las deudas, recurrió a lo que la mayoría de los profesionales les molesta sobremanera, la repetición y así volvió a rodar nuevos episodios de las aventuras del inspector Clouseau, con Peter Sellers que en aquel tiempo pasaba muy malos momentos porque su carrera se había hundido por varios batacazos taquilleros. El regreso de la Pantera Rosa (1975), La Pantera Rosa ataca de nuevo (1976) y La venganza de la Pantera Rosa (1978) en las que Sellers y Edwards sanearon su economía, pero repentinamente el cómico inglés falleció de un infarto dejando a la serie huérfana.
Vino una especie de segunda edad de oro con 10, la mujer perfecta (1979), Sois honrados Bandidos (1981) y ¿Victor o Victoria? (1982), protagonizadas por Julie Andrews en donde pudo madurar como actriz, alcanzando un mayor nivel de calidad y una mejor aceptación comercial.
Desgraciadamente quiso volver a la Pantera Rosa sin Peter Sellers, primero con Tras la pista de la Pantera Rosa (1982) realizada con retales de sus antiguas películas y material que Sellers dejó inédito, la maniobra fue muy mal recibida y provocó una demanda judicial por parte de la viuda de Sellers que exigió, con toda razón, el salario de su fallecido esposo que finalmente consiguió.
Las siguientes entregas sin Sellers pincharon. La maldición de la Pantera Rosa (1983) con Ted Wass en otro papel y rodaje en Valencia no tuvo aceptación pero apuntaba a una posibilidad que por desgracia no tuvo lugar, Clouseau reaparecía con las facciones de Roger Moore, el blando James Bond pero no tuvo continuidad. Diez años después, El hijo de la Pantera Rosa (1993) con el italiano Roberto Begnini como hijo del mítico inspector pero tras el batacazo la carrera de Edwards hizo aguas para siempre.
Quedan en los últimos años algunas comedias menores: Mis problemas con las mujeres (1983), Micki y Maude (1984), El gran enredo (1986), ¡Así es la vida! (1986), Cita a ciegas (1987), Una cana al aire (1989) y sobretodo Una rubia muy dudosa (1991) tenían resquicios de su toque mágico pero sin la fuerza de otros tiempos. Después el silencio.
Finalmente la noticia que nos ha llegado hoy, la de su óbito, pero ya sabemos que eso es ley de vida y que todos pasaremos por este trance. Un dato que sirve para que se publiquen los artículos llorones de rigor. Es necesario que uno se muera para que se acuerden de él. Estúpida costumbre vive Dios. Pero para mí, esta echa es oportuna para agradecerle a Blake Edwards su legado cinematográfico que es muy importante para quienes amamos la buena comedia y el cine inteligente.

domingo, diciembre 12, 2010



EL CIRCO RALUY

Llegó a Reus un circo entrañable, familiar e íntimo llamado Raluy. Como es habitual llevamos a mi sobrina Celia a presenciar una función y salió encantada. El circo Raluy es elegante, recuerda los circos de antaño muy bien reformado. Tiene un aire felliniano, del primer Fellini para ser más exactos. La mayoría de los artistas que intervienen son de la misma familia, algo que antes era bastante usual.
Los circos estadounidenses son ampulosos, tres pistas y fieras salvajes. Pero este es distinto. Por ejemplo, al acabar la función nos encontramos a los artistas en la puerta para despedirnos. Si visitáis su web descubrimos que incluso llevan un hotel rodante, es decir que sus huéspedes viajan con el circo y conocen su ambiente desde dentro.
El mundo del circo siempre tiene una aureola mística fascinante. Un mundo de risas y de lágrimas. De esfuerzo diario, de lucha por la superación. El mundo del cine lo ha retratado alguna vez en películas espectaculares como Trapecio de Sir Carol Reed, El fabuloso mundo del circo de Henry Hathaway (el director que exigía que le asaran una patata antes de comenzar a rodar) o El mayor espectáculo de mundo del gran Cecil B. DeMille. Aunque prefiero El circo de Charlie Chaplin o los de Tod Browning (Freaks, Garras humanas) o los de películas europeas que son siempre entrañables e íntimos como éste.


Celia y Sandro

El espectáculo está conducido por Sandro, un cómico todoterreno que sabe hacer de todo, o casi todo. Tiene excelente mímica como la del cine mudo que manifiesta en su número del rodaje de una película con la participación de espectadores voluntarios.
El clown Lluiset Raluy es el alma mater en donde figuran equilibristas Rosita, Kerry, Louisa que son de la misma familia. Incluso aparecen las nietas en las presentaciones del espectáculo.

Arriba en la foto vemos a Carlos y a Lluiset, y las tres chicas de la misma familia, también hay juegos de prestidigitación y malabarismos. No hay animales salvajes. Muchas protectoras animalistas suelen criticar a los circos porque hacen sufrir mucho a las fieras y otras atracciones en sus continuos traslados encerrados en jaulas.
Aquí, el único animal que interviene es un gato muy dócil que se come una sardina. Nunca había visto un gato en un espectáculo circense tal vez porque son unos animales muy suyos y difíciles de amaestrar.
El ambiente del circo Raluy es cálido, es como ese fuego de leña en las antiguas mansiones en invierno que arde y desprende un aroma profundo y agradable.
La función ha sido una buena velada en una noche de otoño invernal, entrañable y sincera. Es el alma del circo en su estado más puro y noble. El circo que nos recuerda la inocencia de nuestra infancia, ya lejana en el tortuoso túnel del tiempo. El circo romántico y alegre, elegante y discreto. Ese circo que nos hizo soñar y reír. Ese circo que creímos perdido y que ahora hemos recuperado.


Imagen de la carpa del circo ambulante. Debajo la tienda. También dispone de una cafetería en un carromato con aroma añejo, decoración clásica de hace un siglo en donde puedes pasar un buen rato en el entreacto del espectáculo.

sábado, diciembre 11, 2010

El genial Visconti con música de Mahler


MUERTE EN VENECIA (1971)

Luchino Visconti y Björn Andresen

Muerte en Venecia es una película sobre la fascinación por la belleza. Un músico fracasado, el compositor Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), ya enfermo, realiza un viaje a la bellísima ciudad italiana Venecia en busca de un clima mejor. En el lujoso hotel donde está hospedado conoce a un bello joven, Tadzio (Björn Andresen) de quien se enamora.
Sin embargo este amor no es material, es únicamente platónico. Tadzio es un adolescente, apenas le emos hablar sino únicamente pasear, correr, sentarse mientras es espiado por Aschenbach que se rinde ante su belleza pero es incapaz de manifestarla.
En varios recuerdos conocemos sus teorías artísticas que desembocan en un sonoro fracaso. Luchino Visconto retrata la aristocracia de finales del siglo XIX con inusual minuciosidad. La ambientación es perfecta, enclavada en una ciudad presa de una enfermedad peligrosa, el tifus, que las autoridades y la población oculta a los visitantes por motivaciones económicas.
Visconti denuncia la falsedad de la amabilidad interesada. Un entorno que parece ser gentil pero que esconde una terrible realidad. El cantante burlón que se mofa de los estirados clientes del no menos estirado hotel con una canción estrambótica en cierto modo define esa esencia de una sociedad que oculta sus miserias maquilladas con forzadas sonrisas y ademanes gentiles.
Muerte en Venecia es una película sobre la fascinación de la belleza, pero también sobre la hipocresía de la falsa amabilidad. La ciudad de los canales y las góndolas aparece más bella que nunca, aunque ya es habitual en Visconti, recordemos Senso, adorador de lo sublime pero un sutil crítico de su tiempo, de una clase social, la suya, que experimenta un duro declive motivada por su inutilidad.
En su estreno este título fue aclamado como la mejor película de su filmografía, incluso de la Historia del Cine (Fernando Lara en la fenecida revista Triunfo), sin embargo yo sigo prefiriendo El Gatopardo como la obra maestra absoluta de Luchino Visconti por su reflexión certera del declive y del chovinismo de una tierra pobre y miserable.
Björn Andresen se convirtió en un icono gay, una imagen que le persiguió largo tiempo y que se esforzó en superar. Ejemplo de la belleza perfecta y del amor entre hombres, se convirtió en un Peter Pan del cine, la imagen del hombre que no crece jamás a pesar del paso de los tiempos.

En la actualidad, aunque el buen cine no está de moda, la película de Visconti conserva todo su poder de fascinación con esa música de Gustav Mahler que ilustra ese poema sobre la muerte, el fracaso artístico y sentimental de Aschenbach (su matrimonio se hundió y su hija ha fallecido) que con el alma rota deambula por las calles de una ciudad hermosa pero enferma. El amor platónico homosexual que refleja en cierto modo el sentimiento del propio Visconti, aristócrata marxista y gay ya entrado en años cuya carrera entraba en la recta final de su vida.
En cierto modo es un testamento aunque le quedara fuerzas para rodar Luis II de Baviera y dos obras menores posteriores. Es como un canto a un cine en vías de extinción, un cine inquieto tanto en su temática como en su estética. Un cine de autor perdido por el túnel del tiempo y la alienación mental. Un cine personal y único.