lunes, octubre 25, 2010

RECORDANDO "MOGAMBO"

Mogambo (1953) no es ni de lejos un film importante en la carrera de John Ford. Obra menor, casi de párvulos, en donde la personalidad del gran cineasta brilla por su ausencia.
Se trata de un remake de Tierra de pasión (1932) de Victor Fleming con Clark Gable y Jean Harlow, la famosa rubia platino, y un importante mito erótico de los primeros años del sonoro.
El argumento gira alrededor de un safarí, con un cazador profesional y un matrimonio de ricos que desean vivir emocionantes sensaciones. Si en la versión de Fleming, la acción transcurre en Indochina, en el remake de Ford nos trasladamos a la misma Africa. No se trata de esos falsos decorados tan detestables rodados en estudios, sino de la selva real de Kenya.

Eso es lo que hace a Mogambo agradable de ver. Clark Gable repite papel pero con 20 años encima y la sensual Harlow es sustituida por Ava Gardner, otro sex symbol que gozó de gran popularidad en su día. La tercera en discordia era Grace Kelly, personaje de sobras conocido.
Ford ya nos había ofrecido su obra maestra, El hombre tranquilo (1952) y ya tenía en mente Centauros del desierto que vendría tres años después.
Pero en su larga y dilatada carrera había de todo. Unas grandes obras maestras y films menores como el que nos ocupa. En España ya se habrían olvidado de Mogambo de no ser porque la censura franquista metió la gamba hasta la raíz quedando en entredicho su nivel intelectual.
Resulta como el eje central de la trama, un adulterio, era para ellos inaceptable, no se les ocurre otra cosa que cambiar las relaciones de Grace Kelly con su marido convirtiéndole en su hermano. Un hermano muy raro que se ponía celoso con las correrías amatorias de la Kelly con el "orejas" Gable. Además dormían juntos. ¡Qué raro, verdad! Así convertían un adulterio en un incesto que es una afrenta aún mayor a los ojos de la Iglesia Romana.
Eso es lo que pasaba en España en los años cincuenta, cuando se quería ser más papista que el Papa y más franquista que el propio Franco que se quedó perplejo con la prohibición de Viridiana, un film de Buñuel juzgado escandaloso y que para el Caudillo no era más que una sucesión de chistes baturros.
¡Ay, cuantas tonterías hemos tenido que soportar a lo largo de la historia en este sacrosanto país de pandereta!

Tierra de pasión (1932)

sábado, octubre 23, 2010

VA DE MUSICALES

En una secuencia de La Rosa Púrpura del Cairo, que como sabemos trata de una proyección en que los personajes saltan de la pantalla al patio de butacas, hay una secuencia con la que siempre me sentí identificado. Se trata de un camarero que tiene que servir mesas hasta que le dicen que puede hacer lo que le dé la gana porque ya no hay guionista en la película que interpretan. Entonces el camarero dice "ahora podré hacer lo que de verdad me gusta" y se pone a bailar claqué.
Eso lo digo porque en realidad mi género favorito, o uno de ellos, es el musical y me lo paso mejor que con otros cuyo interés me han adjudicado de forma arbitraria como es el terror que cada día me gusta menos.
Suelo adquirir en DVD todos los musicales que me encuentro, porque me lo paso bien cada vez que los paso una y otra vez. Así que me he encontrado recientemente tres títulos interesantes y clásicos. Uno es Las señoritas de Rochefort (1967) de Jacques Demy. No se trata de una película americana sino francesa mostrando un estilo distinto.
Tal vez Michel Legrand no sea uno de mis compositores favoritos, ni mucho menos. La película es algo cursi en algunos aspectos, ese vestuario de colorines. A veces me pregunto que si me dieran dinero para rodar lo que me diera la gana montaría un musical en mi ciudad con la gente bailando por la calle.
Me sorprende en estas películas el color tan brillante y tan vivo, algo que echo de menos del cine actual que siempre es oscuro y descolorido.
Aquí me encantan las hermanas Dorleac, la famosa Catherine Deneuve (Dorleac es su auténtico apellido) y su hermana, la tristemente malograda Françoise, como dos profesoras de música en busca de realizar su sueño. Nos encontramos rostros populares del cine galo como Danielle Darrieux y Michel Piccoli, leyendas como Gene Kelly y galanes de la época como George Chakiris salido de West Side Story. Charikiris parecía que se iba a comer el mundo en aquella época pero se apagó rapidamente tal vez porque sus vehículos fueron poco afortunados. Kelly se ve mayor con un maquillaje atroz que trata de rejuvenecerle, pero las hermanas Dorleac estaban en su mejor momento. Françoise no vio el estreno porque un accidente de coche nos la arrebató para siempre y sentimos todos una profunda pena porque tenía ante sí un gran futuro por delante.
Ese espectáculo de magia, alegría, romanticismo, color y música no tuvo apenas continuidad pero sedujo a los amantes al género.
Siempre hace buen tiempo (1955) de Stanley Donen y Gene Kelly forman parte de una trilogía junto a Un día en Nueva York y Cantando bajo la lluvia en la que ambos se repartieron las tareas de dirección. En cierto modo, es un título que suena a crepuscular. Tres amigos que van juntos a la guerra regresan a la vida civil y se separan, diez años más tarde se encuentran y descubren que no tienen nada en común porque han cambiado.
Excelentes números musicales como By myself con Kelly bailando con unos patines puestos. Se utilizó el scope que entonces se había puesto de moda, pero en su día parecía que esta película estaba fuera de lugar y se estrenó en un auto cine. La era de los grandes musicales Metro estaba llegando a su fin y de ahí ese regusto amargo.


Aún así celebramos excelentes momentos como esa explosión de Dan Dailey enmedio de una aburrida reunión de empresarios. Cuando un abstemio bebe el alcohol se le sube a la cabeza y pasa lo que pasa, se pone a cantar y a bailar ante el pasmo de todos. Y como no la bella entre las bellas Cyd Charisse.
En la actualidad Siempre hace buen tiempo es todo un clásico, como muchas películas que en su día recibieron una acogida fría o incluso hostil. Cuando hablaba del libro Qué ruina de película ya lo comenté, fiascos del ayer son clasicazos del hoy.
Algún día habría que estudiar porqué pasa eso.

Y ahora el clásico entre los clásicos, Siete novias para siete hermanos (1954), rodada un año antes que el título anterior por el propio Stanley Donen y todo un bombazo taquillero.
Actualmente se ve algo pasado de moda. Esos decorados de estudio resultan excesivamente artificiales y dañan la vista, el guión está lleno de cursilerías, pero la Metro no confió nada en su éxito y se dedicó a recortar el presupuesto hasta dejarlo en la mínima expresión. Sin embargo cuando se estrenó se llevaron una gran sorpresa, un triunfo arrollador que no esperaban.
Tiene excelentes canciones y excelentes números.

Siete novias para siete hermanos viene a demostrar que ni siquiera el gran Hollywood era infalible. Yo recuerdo haberlo visto en pantalla grandes un par de veces, siempre de reposición. Una a mediados de los sesenta, diez años después de su estreno, y otra en 1989. Había llovido mucho desde que se rodó y fue acogida con entusiasmo por el público presente en la sala de un cine madrileño.
En la actualidad nos pueden parecer algo tontos los personajes pero sus escenas de baile son todavía insuperables. Las acrobacias de los hermanos para conquistar las chicas rivalizando con los chicos del pueblo es antología pura. Sublime.

miércoles, octubre 20, 2010

EL AMIGO GROUCHO

En el Corte Inglés de Tarragona me encontré el DVD de Don Dolar (1951), uno de los escasos largometrajes que protagonizó Groucho Marx en los años cincuenta que supusieron el fin de su carrera en el cine. Los títulos jamás consiguieron ni de lejos el éxito de su mejor época, Sopa de ganso, Plumas de caballo, Una noche en la Opera.
Su personaje en los largos en solitario es distinto, es una especie de Groucho doméstico que se inserta en un argumento convencional pero en películas de muy poca monta producidas por Howard Hughes, el gran magnate e inepto productor de cine del que Hollywood guarda amarga memoria.
En Don Dólar comparte cartel con Frank Sinatra, el famoso cronner, cantante de moda en la época, que estaba harto de los papeles que le tocaban en suerte, y Jane Russell, un sex symbol que siempre me ha caído bien.
El conjunto es algo mortecino y de no ser por la afortunada aparición de Groucho esta película ya habría caído en el olvido pero ya se sabe que aunque en horas bajas Groucho es mucho Groucho.

También me llegó desde Amazon UK el CD con la banda sonora de The Mikado (1960). Se trata de una opereta de Gilbert y Sullivan que tuvo adaptación en televisión con Groucho Marx, su hija Melinda como una de sus tres pupilas, Stanley Holloway (el padre de Eliza Doolittle en My Fair Lady) y Helen Traubel entre otros.
Tal vez fue la mejor aparición de Groucho en solitario y es una pena que no haya sido restaurada ni editada en DVD o Blu-Ray. La inclusión de esta leyenda artística no es casual. Groucho fue un entusiasta de las operetas de Gilbert y Sullivan ya desde su infancia. En los programas de TV solía cantar fragmentos de dichas obras a veces en dúo con su hija Melinda que entonces era una niña preadolescente. La chica no tuvo continuidad en el mundo del espectáculo tal vez porque no le interesaba demasiado y su inclusión era "amor de padre" más que nada.
El CD de The Mikado con Groucho es todo un clásico que para fans del legendario mostacho es imprescindible pero echamos de menos visionar el telefilme en cuestión. A ver si alguien se anima a editarlo de una vez porque vale la pena.

lunes, octubre 18, 2010

¡QUÉ RUINA DE PELÍCULA!
(2ª parte)

Cuando apareció este libro de Juan Tejero sobre los fiascos de Hollywood me pregunté porqué llevan adjetivos películas que por otra parte me encantaron en su día y que actualmente son clásicos.
Muchos de esos batacazos son debidos a diferentes factores. Algunas fueron rodadas a destiempo, es decir cuando no era el momento adecuado. En los patrióticos Estados Unidos no podían aceptar la sátira 1941 de Steven Spielberg, un título desmadrado que tuvo mejor aceptación en Europa. Según me contó el propio Christopher Lee en el Festival de Sitges de 1986, 1941 fracasó en su estreno pero triunfó en su aparición en vídeo tal vez porque el público era distinto y era más receptivo de ese tipo de humor. Chitty Chitty Bang Bang, El Valle del Arco Iris, Camelot también patinaron cuando se estrenaron pero triunfaron en sus reposiciones, en los pases televisivos y en los vídeos (Blu-Ray, DVD o VHS) llegando a convertirse en la actualidad en clásicos muy respetados.
Tejero nos cuenta los conflictos de Hello Dolly o La balada de Cable Hoghe. Fiascos puntuales pero clasicazos con el tiempo debido a rodajes conflictivos y desagradables. Barbra Streissand se convirtió en un ser imposible, despótico, que llevó por la calle de la amargura a todo el equipo, que menospreció al director Gene Kelly y llegó a pegar a Walter Matthau. Su papel requería a una mujer madura pero la actriz entonces tenía veintitantos años siendo completamente inadecuada para el personaje. Quería que todo estuviera a su servicio como si el mundo giraba exclusivamente a su alrededor. Sam Peckinpah es uno de los grandes mitos del cine pero intratable en los rodajes como John Ford o el gran Orson Welles que convertían en un infierno aquellos en los que intervinieron.
Los productores sufrieron el egocentrismo de Zero Mostel, gran actor de teatro pero de escasa relevancia en cine, o La estrella con Julie Andrews, superproducción excesivamente centrada en la actriz que hundió prácticamente el musical. La leyenda de la ciudad sin nombre, inspirada en un musical de Broadway de Alan Jay Lerner, se disparó su presupuesto en su versión cinematográfica cambiando todo el argumento de la obra original y añadiendo los personajes de Clint Eastwood y Jean Seberg que se encontraba perdida en aquel gigantesco decorado. Eastwood echa pestes de ese rodaje y de esa película en sus declaraciones en el DVD de Harry el Sucio.
Me pregunto que sería un libro similar sobre los fiascos, no tan excesivos, de películas españolas que han fracasado por diversos motivos. De todas formas uno se da cuenta de que en realidad Hollywood es un gigante con pies de barro y que no justifica en absoluto su prepotencia en los mercados cinematográficos internacionales.
TRAIDOR


El terrorismo islámico, un fantasma que se pasea por Occidente. Las oleadas migratorias de las últimas décadas han llenado de musulmanes nuestras ciudades, un colectivo que despierta muchos recelos por diferentes conceptos. Los atentados del 11 de septiembre en Nueva York y el 11 de marzo en Madrid son claro ejemplo del pavor que despiertan. Incluso ha provocado la aparición de partidos políticos que pretenden deshacerse de la invasión musulmana y la tensión con el Islam crece.
Traidor es una película que trata de ese tema, de un policía negro infiltrado en las filas de una asociación de terroristas armados que se dedican a colocar bombas. El FBI ignorantes de la infiltración creen que ese agente es un traidor a los Estados Unidos.
La película está muy bien narrada aunque sobren ciertos apuntes típicamente gringos como esa frase de que "nosotros somos los buenos", o la secuencia en que los terroristas lanzan una bomba en la Costa del Sol (España) y comentan que han muerto doce norteamericanos (?) cuando las víctimas son españolas. Da la impresión que este país se cree que son los amos del mundo y en cierto modo motivan la existencia de ese terrorismo que tanto daño está haciendo al mundo y al mismísimo Islam.
Los dos actores principales
Don Cheadle y Guy Pearce cumplen a la perfección con su cometido, pero no se aprovecha la ocasión para conocer mejor ese mundillo sórdido de fanáticos y sus delirios mentales. Pero al menos la película no abusa de efectos especiales gratuitos por lo que les debemos estar agradecidos.


Año de producción: 2008

País: EE.UU.

Dirección: Jeffrey Nachmanoff

Intérpretes: Don Cheadle, Guy Pearce, Saïd Taghmaoui, Neal Mcdonough, Alyy Khan, Archie Panjabi, Jeff Daniels

Guión: Jeffrey Nachmanoff

Música: Mark Kilian

Fotografía: J. Michael Muro

Distribuye en DVD: Savor

Duración: 114 min.

Género: Drama, Thriller
Extras DVD: Español e inglés 5.1. Fichas. Tráiler. Clips.
También incluye versión catalana.
Mr. BROOKS


Mr. Brooks es un thriller sobre asesinos en serie. Pero a diferencia de otros títulos que se dedican a mostrar los asesinatos, aquí empiezan con una pareja en la cama, pillados en pleno ajetreo, vamos a conocer las interioridades del criminal que ante la sociedad aparece como un hombre respetable. Un asesino al que primero le sale un alumno que ansía ocupar su puesto, otro psicópata aún más retorcido que el maestro. Luego descubre que ha iniciado una saga familiar porque su hija sigue su camino.
Como contrapunto una inspectora de policía, Demi Moore, investiga los crímenes asediada por una demanda de divorcio. El Ministerio de la Igualdad español podría tomar nota porque es el marido quien le reclama una indemnización millonaria porque en el país del dólar siempre paga el más adinerado al más precario sin importar el sexo de ambos.
La trama se enmaraña mucho, a veces es demasiado compleja, pero lo mejor es quizá el trabajo del trío protagonista. William Hurt la conciencia del psicópata, el propio Kevin Costner como un insospechado asesino en serie que aparenta respetabilidad y Demi Moore, catalogada por los críticos norteamericanos como la peor actriz del siglo XX, demuestra cuan injusta es su mala fama.


Dirección:
Bruce A. Evans.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 120 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Kevin Costner (Mr. Brooks), Demi Moore (Tracy Atwood), William Hurt (Marshall), Dane Cook (Smith), Marg Helgenberger (Emma Brooks), Ruben Santiago-Hudson (Hawkins), Danielle Panabaker (Jane Brooks), Aisha Hinds (Nancy Hart), Lindsay Crouse (Lister), Jason Lewis (Jesse Vialo), Matt Schulze (Thorton Meeks).
Guión: Bruce A. Evans y Raynold Gideon.
Producción: Kevin Costner, Jim Wilson y Raynold Gideon.
Música: Ramin Djawadi.
Fotografía: John Lindley.
Montaje: Miklos Wright.
Diseño de producción: Jeffrey Beecroft.
Vestuario: Judianna Makovsky.
Estreno en USA: 1 Junio 2007.
Estreno en España: 5 Diciembre 2007.
Idiomas: Castellano, Catalán e Inglés.

domingo, octubre 10, 2010

Los Romeos y Julieta del hampa

BONNIE Y CLYDE

Faye Dunaway y Warren Beatty

Una vez, en 1967, yo cogí una fuerte gripe y me vi obligado a guardar cama. Para que me entretuviera mi madre me trajo el Fotogramas de la semana (entonces era una revista semanal) . Esta fue la única vez en mi vida que mi madre tuvo que ir al kiosko para traerme la revista porque generalmente iba yo a comprar. Bien, en aquel número apareció un reportaje de Jaume Figueras sobre Bonnie and Clyde que despertó mi interés hacia la película.
Faye Dunaway y Warren Beatty eran sus protagonistas y dirigía una joven promesa, Arthur Penn, desaparecido hace poco, que se quedó en eso, en promesa.
La película marcó época y es la otra cara de la moneda de las aventuras del inspector Harry Callahan aparecidas cuatro años después.
¿Cómo es que tuvo éxito esa cinta protagonizada por dos atracadores de bancos que tuvo en jaque la policía norteamericana durante muchos años?
Penn nos lo muestra no como villanos sino como dos alocados insensatos, sus correrías contadas con música de banjo y violín, arrasaron completamente. Su canción no paraba de escucharse en la radio, la gente imitaba sus ropas, las chicas vestían como Faye Dunaway, todo un icono del glamour mundial.
Bonnie Parker ya tenía anteriormente otra película en su haber, The Bonnie Parker Story (1958) de William Witney, un título menor pero atractivo a pesar de todo. La bandida aparecía con el aniñado rostro de Dorothy Provine, actriz posteriormente dedicada a la comedia más familiar. Sin embargo estaba muy bien en ese papel y no era nada desdeñable el producto final visto en televisión en nuestro país.
La versión de Penn era electrizante, única, con un ritmo endiablado y un auténtico Cult-Movie, o sea un clasicazo recuperado actualmente por una impecable edición en Blu-Ray.


Los auténticos Bonnie y Clyde

¿Cómo es que con cuatro años de diferencia las gentes elijan como sus héroes a unos atracadores de bancos y a un policía de modos brutales? ¿No es contradictorio?
En realidad ambos representan aspectos segados de la realidad. Harry Callahan es la rebelión contra la impotencia del ciudadano medio ante el aumento incontrolado de la delincuencia con una ley que le deja indefenso. Bonnie y Clyde son dos rebeldes contra un sistema que les asfixia. Por ejemplo, actualmente muchos ciudadanos pierden sus empleos y se quedan en la más pura indigencia. Los bancos se quedan con sus pisos porque no pueden pagar las hipotecas y acaban en la calle sin miramientos.
Igual pasaba en los años en que transcurren las aventuras de esa pareja de atracadores. Aquella Gran Depresión que llevó a mucha gente a la miseria. Es significativa la secuencia en que Clyde entra a un banco para asaltarlo y se encuentra que ha quebrado. O el plano de los granjeros que se ven forzados al abandono de su granja porque los bancos se la han quedado. Desahogan su frustración disparando contra las ventanas con el revolver de Clyde.
Recordemos también cuando ambos son heridos y son acogidos por un campamento de ciudadanos desafortunados que han perdido su hogar, les atienden y les dan de comer.
Dorothy Provine en la versión de 1958
Reflexionando la comparación de ambas películas, la serie de Harry el Sucio y el Bonnie y Clyde de Penn nos acabamos de dar cuenta de su eslabón perdido. La rebelión del ciudadano medio contra quien les oprime. En un caso la delincuencia organizada que les asalta sin ninguna piedad por la calle o en sus domicilios, que les envenena con drogas y les agrede constantemente. En el otro caso con el capitalismo más salvaje que provoca crisis económicas, como la que padecemos actualmente, y nos deja indefensos, sin trabajo, sin hogares, malviviendo y pasando hambre. Enemigos contra el que apenas podemos luchar porque es más fuerte que nosotros y buscamos, tal vez equivocadamente, que alguien nos saque la castañas del fuego.
Unos confían en Dios y otros en los héroes o en ambos a la vez. Aunque la solución a nuestros problemas sería poner a la gente que nos gobierna en su sitio y exigirles eficacia, sentido común, honradez y lucidez en vez de caer en la desesperación y el nihilismo.



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En el guión original
Bonnie y Clyde eran bisexuales

Recientemente falleció el director de culto Arthur Penn, autor de un clasicazo titulado Bonnie y Clyde (1967) sobre las andanzas de un par de atracadores de bancos en la América de la Gran Depresión en los 30 del siglo pasado.
Como yo soy muy cinéfilo acostumbro mucho a ver películas y hace poco adquirí este título en cuestión. Al ver los extras, me encuentro con un par de documentales. Uno sobre los auténticos Bonnie y Clyde y otro sobre el rodaje y concepción de la famosa epopeya de esos atracadores presentados como antihéroes que en su día gozaron de gran simpatía entre las clases populares. Mucha gente vivía en la indigencia por falta de trabajo y porque los bancos les quitaban sus casas obligándoles a vivir en la intemperie, la indigencia más absoluta.
Bien. Resulta que en el guión original, Bonnie y Clyde no eran una pareja, eran un trío. Ambos tenían relaciones sexuales con el tercer bandolero, C. W. Moss. Pero el Código Hays tomó cartas en el asunto y prohibió el guión. Así Clyde Barrow, en vez de ser bisexual , como C. W. Moss que además se beneficiaba a la chica, se convierte en impotente y a éste, el tercero en discordia, en una especie de bufón interpretado por Michael J. Pollard.
Arriba los atracadores de la película, abajo los auténticos.
Vaya, vaya, qué calladitos se lo tenían.
HARRY EL SUCIO EN BLU-RAY

Recibo desde Amazon UK una interesante oferta, un pack con las cinco películas de Harry el sucio en Blu-Ray, tienen versión en castellano (y también español latino entre otros idiomas) a un precio asequible. Mucho más barato que comprado en España.
Así que me decidí a adquirirlo y lo recibí. Todo impecable. Aún no las he visto porque tenía otras películas por ver antes, pero si me dediqué a ver los numerosos documentales incluidos en el pack.
Más adelante hablaré de las películas, cuando las haya visto, pero sí me referiré a los documentales porque hablan de antiguas polémicas. Cuando se estrenaron en los setenta los primeros títulos del pack fue machacado por la crítica basándose en que su ideología es fascista. Un adjetivo que muy alegremente te colgaban en aquella época cuando no se comulgaba con los dogmas de fe de la crítica oficial.
El término políticamente correcto aún no existía. Sin embargo, pese a la acusación de fascismo implícito del personaje del inspector Harry Callahan, se ha convertido en todo un referente del thriller de acción.
Resulta curioso analizarlo actualmente porque en cuarenta años el mundo ha cambiado mucho y esos títulos aún se ven frescos, no resultan demasiado anticuados.
Tal vez la polémica sigue vigente a pesar del tiempo transcurrido. El director Don Siegel, cineasta a reivindicar, sugiere que las leyes de aquella época y las actuales, protegen más los intereses del delincuente que de sus víctimas. Por eso los ciudadanos se sienten indefensos ante quienes les agreden, les roban o les asesinan porque la Ley mira hacia otro lado.
Esa sensación existe en la actualidad. Un transgresor de la Ley, si es detenido entra por una puerta y sale por otra porque les jueces les sueltan enseguida, provocando que una vez en la calle arremeta contra el ciudadano que les ha denunciado.
Parece ser que vivamos en una especie de dictadura de la delincuencia. En aquel tiempo, se mitificaba a toda clase de matones presentados como una consecuencia de la sociedad y en sus víctimas. En los USA se rodaban películas mitificando a Bonnie y Clyde o Dillinger (por no hablar de los pistoleros como Buffalo Bill y compañía del far west) , la policía estaba completamente desacreditada (en España por el franquismo), se les llamaba cerdos y otros adjetivos malsonantes.
Defenderlos era propio de mentes reaccionarias y fascistas, enemigos del pueblo y demás malas hierbas. Toda esa confusión ideológica (pues estaba de moda mitificar los países comunistas donde la lucha contra la delincuencia era mucho más dura que en los países capitalistas) provocó la desmotivación, el desánimo de las Fuerzas de Seguridad del Estado.
De repente les sale un inspector justiciero que no se anda con chiquitas, que es durísimo y brutal. Sus irónicas frases calaron hondo en el público que las repetía constantemente.
A pesar del rechazo de la crítica, Harry Callahan triunfó en taquilla. Se convirtió en todo un icono de la cultura popular en los Estados Unidos y en todo el mundo. En España barrió, llenaba las salas y el público se identificaba con él.
La acción está ambientada en San Francisco, una ciudad que ha visto muchísimas películas, con el famoso Golden Gate y sus calles empinadas, su tranvía de sabor añejo, su barrio chino. Callahan reside en un apartamento chiquito, claustrofóbico, que casi parece el camarote de los hermanos Marx. Apartamentos que son habituales en grandes ciudades (Madrid, Barcelona, por ejemplo) y en él el susodicho inspector no tiene vida familiar por lo que se le observa un carácter amargo y dificil.
El éxito no fue casual ni gratuito porque en realidad Callahan es alguien que mucha gente desearía ser. Actuar sin las cortapisas de lo políticamente correcto y enviar a los delincuentes al otro barrio, sobre todo a los más hipócrita de los mismos, a los de corbata y cuello alto que siempre pagan a otros para que les hagan el trabajo sucio.
Resulta curioso ver el código de conducta de esos personajes. Son ultramachistas y consideran que violar a una mujer, matarla o pegarla es impropio de machos. Es decir que valoran enfrentarse a un enemigo que sea físicamente fuerte, porque vencerlo es más meritorio. Ejercer la violencia con personas débiles (mujeres, niños, ancianos, enfermos) es digno de cobardes y afeminados (sic). En la actualidad en que la violencia doméstica está de moda y siempre aparecen noticias de mujeres asesinadas por sus parejas, la prensa feminista la atribuye al machismo y eso contradice la ideología propiamente machista antes expuesta.
La confusión ideológica está aún vigente en nuestra actualidad.

sábado, octubre 09, 2010

JACK SPARROW VA AL COLE

La estrella de Hollywood Johnny Depp ha querido dar un paso más en su camino por dejar la discreción a un lado. El actor ha acudido a una escuela de Londres vestido de pirata. Esta nueva aventura de Depp responde a que una joven seguidora le reclamó para representar un "motín".

Beatrice Delap, una pequeña de 9 años, escribió al capitán Jack Sparrow, el personaje de Depp en 'Piratas del Caribe', pidiéndole ayuda para realizar un alzamiento contra los profesores en la escuela primaria Meridian de Greenwich, en el sudeste de Londres.

"Somos un grupo de jóvenes piratas y tenemos algunos problemas con un motín contra los profesores, y nos encantaría que pudiese venir a ayudarnos", escribió Delap a Depp.

Depp, quien se encuentra en el sudeste de Londres filmamdo la cuarta parte de esta saga, aviso de su llegada a la escuela 10 minutos antes. El centro rápidamente convocó una asamblea y Depp entró al salón ante el asombro de los estudiantes, según la revista 'People'.

Depp, con la carta en su mano, llamó a Delap al frente y la abrazó, pero descartó cualquier posibilidad de una rebelión. "Quizás no deberíamos amotinarnos hoy, porque hay policías afuera vigilándome", dijo Depp, padre de dos hijos.


LIU XIAOBO

Ese ciudadano chino que aparece en la foto se llama Liu Xiaobo. Actualmente protagoniza una polémica porque el Comité Nobel del Parlamento Noruego le han concedido el premio Nobel de la Paz (por cierto ¿alguien sabe que en 1939 nominaron a Adolf Hitler y años después a Josef Stalin) y al gobierno chino le ha hecho muy poca gracia porque es un disidente político, algo muy grave en este mundo de borregos obtusos.
Hago esta observación no por pura casualidad. La dictadura maoista ha sido una de las más atroces de la Historia Moderna. Las películas El último emperador de Bernardo Bertolucci, Adiós mi concubina de Chen Kaige y Vivir de Zhang Yimou son buen testimonio de ello.
Pero en los años setenta y ochenta, hasta que cayó el Muro de Berlín y tuvo lugar los sucesos de la Plaza de Tiananmen. era el maravilloso sistema político preferido de nuestros críticos cinematográficos que basaban sus criterios en ideologías políticas y no cinematográficas.
En revistas como Dirigido por era el acabose. Había firmas que se convirtieron en ilegibles porque mientras en China se cometían toda clase de atrocidades nuestros progres de opereta se dedicaban a ensalzarlos. Para hacer buen cine las ideologías correctas debían ser maoístas.
A finales de los ochenta, durante la llamada Revolución Cultural, millones de ciudadanos chinos fueron desplazados de sus domicilios y obligados a trabajar en auténticos campos de concentración para realizar faenas agrícolas. Entre ellos los futuros cineastas Yimou y Kaige.
¡Ay, qué fácil es hacer el ridículo cuando no se sabe de qué se habla!


viernes, octubre 01, 2010

AMAZON ESPAÑA,
PRONTO LLEGARÁ


El gigante Amazon quiere ampliar su negocio hacia nuevos mercados. Y esta vez le ha tocado el turno a España. La multinacional está negociando la adquisición de BuyVip, una de las mayores compañías españolas de comercio electrónico, según explican a CincoDías fuentes conocedoras de la operación. Aunque en una conversación telefónica, Gustavo García Brusilovsky, consejero delegado de BuyVip, negó ayer que fuera cierta la noticia, otras fuentes internas de la compañía confirmaron, sin embargo, que los 35 socios de la empresa han sido convocados para firmar un poder notarial que permita el traspaso de las acciones al gigante de EE UU; algunos ya lo han firmado y otros lo harán hoy mismo.

Las mismas fuentes aseguran que Amazon busca comprar el 100% de BuyVip. Una operación que, de cerrarse, supondrá la presencia local de Amazon en España, además de en los países donde BuyVip tiene operaciones. En este sentido, durante el pasado año, la firma amplió su presencia internacional y entró en nuevos mercados del Viejo Continente como Polonia, Portugal y Holanda, que venían a unirse a España, Alemania, Austria e Italia, donde ya tenía operaciones.

Aunque el importe de la operación no ha trascendido, algunas fuentes conocedoras del proceso apuntan que Amazon podría estar pagando cerca de 80 millones de euros por la firma española.

Actualmente, y tras varias rondas de financiación, BuyVip cuenta entre sus accionistas con grupos como Bertelsmann, 3i, Debaeque, Active Venture Partners, Kennet Partners, Grupo Intercom y Digital Assets Deployment (DaD).

Desde su fundación en el año 2005, y a lo largo de los últimos años, BuyVip se ha convertido en uno de los clubs de ventas por internet más populares entre los usuarios españoles. La compañía, que cuenta con más de 7,5 millones de socios, prevé cerrar el ejercicio de 2010 con una facturación cercana a 140 millones de euros, lo que implicaría un crecimiento próximo al 100% con respecto al año 2009.

Fuerte crecimiento

En los últimos ejercicios, y pese a la crisis, la empresa ha mantenido un crecimiento imparable de su volumen de negocio. Así, en 2007 facturó cinco millones de euros, en 2008 registró unos ingresos de 30 millones y en 2009 alcanzó la cota de los 70 millones.

BuyVip anunció el pasado verano que había alcanzado el punto de equilibrio en el segundo trimestre de 2010, tras aumentar un 70% sus ingresos brutos en el primer semestre. BuyVip señaló que el resultado positivo del segundo trimestre fue posible por su expansión europea.

Gracias a esta fortaleza, la compañía ha contado con el respaldo de la comunidad financiera. Así, por ejemplo, BuyVip indicó también en verano que había logrado una línea especial de crédito de 15 millones de euros para financiar nuevas líneas de negocio.

Junto a BuyVip, sobresalen otras empresas en España como Privalia. Sus fundadores, Lucas Carné y José Manuel Villanueva, han lanzado otro club de compra colectiva de ocio por internet, denominado Groupalia.